藝大アートプラザ・アートアワード（旧藝大アートプラザ大賞）の受賞作家を招待して、一年に一度開催する本展。

「藝大の星」とも呼べるアーティストたちの、新作を含む作品たちが一堂に会します。ここでは、作品の写真とともに各出展作家をご紹介します。

※ここでご紹介する作品は通販(銀行振込)での購入も可能です。メールにてお気軽にお問い合せください。

会期全体：2026年7月24日（金）〜10月4日（日）
前期：2026年7月24日（金）〜8月23日（日）※7/24のみ13:00開場
後期：2026年8月28日（金）〜10月4日（日）※8/28のみ13:00開場
※二期構成、展示替えを予定

定休日：月曜 ※8/10（月）、9/21（月）は祝日のため営業

営業時間：10:00-18:00
※営業日時が変更になる場合がございます。最新情報は公式Webサイト・SNSをご確認ください

入場料：無料

会場：藝大アートプラザ（東京都台東区上野公園12-8 東京藝術大学美術学部構内）
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センザキリョウスケ

りんご、自分の手、赤いもの、白いもの。デッサンを学ぶ誰しもが描いたことのあるモチーフである。それらは本来、黒一色の鉛筆で質感や色の違いを描き分けるための題材だが、本作ではその形がぐにゃりと歪んでいる。鉛筆による精緻な写実と、水や煙を通して見たような屈折や揺らぎが、一つのモチーフの中で交錯する。
センザキリョウスケはイラストレーターとして活動する一方、DessinLABOを主宰し、デッサンを通じた観察力や表現力を探究してきた。作者にとってデッサンは、写真のような精密さを目指すものではなく、記憶や観察を定着させる「備忘録」である。写真では失われてしまう細かな情報や手触り、空間の感覚を、画面の中に再構築している。

野村 絵梨

野村絵梨は東京藝術大学で石彫を学び、現在は日常の風景をおもちゃのようなフォルムへとデフォルメした、POPでかわいい彫刻作品を制作している。素材は石から一転し、水の三十分の一の軽さをもつスタイロフォームを用いる。これは断熱材が主な用途であるが、東京藝大では学園祭で披露される神輿や、乾漆（漆工技法のひとつ）の支持体などの立体制作にも用いられている。モチーフは作者の身の回りから選ばれる。汚れや劣化など日常生活の痕跡を残し、間もなく捨てられていくものたちである。それらの存在に光を当てて点滅させるように、「こんなものもいるよ！」と掬い上げていく。
本作のモチーフは、作者自身が日々書き留めていたジャーナリングのメモと色とりどりのピンである。感情や頭の中が溢れそうになったとき、それらを書き出し、本来は読み返すことなく捨てられていくものだという。作者だけが知るメモの内容は、読めそうで読めない。

筧 由佳里

東京藝術大学で油画を学んだ筧由佳里は、古典技法を用い、アンティークのドアノブや引き出しの取っ手をモチーフとした絵画を制作している。学生時代、アメリカで訪れた古いドアノブや金具の専門店で、さまざまな形や装飾が所狭しと並ぶ光景に強く惹かれたことが、このシリーズの始まりとなった。以来、ドアノブは作者にとって、描きたいモチーフを自由に組み合わせ、画面を展開していくための器のような存在となっている。胡粉地に幾層にも盛り上げを施し、油彩や金箔を重ねることで、繊細な陰影と豊かな質感を生み出している。画面には、貝殻や馬頭、植物をかたどった取っ手など、多彩なモチーフが並ぶ。それらは特定の物語を語るのではなく、その関係をたどるなかで、見る人それぞれの物語が立ち上がってくる。

鈴木 初音

鈴木初音は自然を観察し、そのなかで得た経験をもとに制作を行う。作品に用いる素材も、貝殻や砂、稲作の川底にたまる土など、自然のなかで採集したものを自ら加工して用いている。壁画を学ぶなかで、古典技法が自然由来の素材によって成り立っていることに着目し、自身の制作を自然の循環のなかに位置づけてきた。本作は、自作した貝殻の石灰と川で採集した砂を用いたグラッフィート（フレスコ技法の一種）で制作された。石灰モルタルが乾く前に線を引っ掻いて描くため、限られた時間のなかで制作が進められる。蚕の食草である桑の葉を毎日歩いて集めた日々や、片羽が損傷し飛べずにいたため亡くなるまで飼育したオオムラサキなど、自然との関わりがモチーフとなっている。

加藤 萌

加藤萌は、乾漆技法による動物彫刻を通して、人間と自然、そして生きることそのものとの「対話」を探り続けている。岡山県の山間で暮らし、夜の闇のなかで出会う野生動物たちの姿から着想を得ながら、美しさと得体の知れない怖さが隣り合う生命のありようを見つめてきた。吸い込まれるような漆の黒い艶は、その緊張感や深淵を映し出している。
本作《夜白む》では、三匹の狼が寄り添い、一つの生命体のような姿を見せる。「夜白む」とは、月明かりなどによって、夜空がわずかに白みを帯びる状態を表す言葉である。闇と静寂のなかに漂う気配と、そこに確かに息づく存在を、相反する質感の対比を通して表現している。14年前の大賞受賞作品にも、この質感の対比による表現はすでに見られ、現在に至るまで一貫した制作の核となっている。

小林 真理子

光はどこから生まれ、どこへ還るのか。小林真理子は、光や眩しさを手がかりに、目に見えるものと見えないものの境界を探る絵画を制作している。記憶の中に残る曖昧な光の断片を重ね、画面との対話を繰り返すなかで立ち現れる情景を描き出す。幾重にも重ねられた絵具の層は、色彩と光が響き合う奥行きを生み出し、見る者の記憶や感覚を静かに喚起する。大学院では油画技法・材料研究室で古典絵画技法を学び、その知見を基盤に、自作の描画用オイルや透層表現（グレーズ）を取り入れ、油絵具の透明性や発色を生かした独自の絵画空間を構築している。

若林 真耶

東京藝術大学工芸科の金工教育は、鍛金・彫金・鋳金と専門分野ごとに分かれ、日本のものづくりに受け継がれてきた技術を礎としながら、それぞれの時代の造形表現を育んできた。若林真耶は鍛金を学び、学生時代から打ち出し技法とガラスを組み合わせた人物像や動物を制作してきた。一枚の銅板を焼きなまし、何度も打ち出しながら立体へと形づくる鍛金は、最後まで自らの手で形を見届けたいという若林の制作姿勢を支える技法でもある。中空のかたちや蓋物、器は、感情や記憶を収める場所というイメージのもと、一貫して制作を続けてきた。蓋を開け、閉じるという行為を通して、使い手自身の感情や記憶、物語が作品へと重なり、新たな意味が育まれていくことを願っている。

森 聖華

自然豊かな長崎で育った森聖華は、水生生物をモチーフとした陶のオブジェや器を制作している。浄化や魔除けの意味を持つ生き物や、古くから縁起物として親しまれてきた存在に着目し、その姿を具象からデフォルメ、擬人化まで自在に行き来しながら表現する。
《多幸な蛸》《多幸壺》では、「蛸」が「多幸」の当て字として用いられることや、八本の足が末広がりを連想させることに由来する吉祥性に着目した。蛸壺からぬるりと顔をのぞかせる蛸や、表情豊かな壺には、どこか親しみを覚えるユーモアが漂う。一方で、蛸のぬめりや筋肉の張り、縄の乾いた質感、壺やフジツボの表面など、それぞれの素材感は丁寧に作り分けられ、生き物の「らしさ」を陶で表現している。

海田 通孝

海田通孝は、絵画の支持体であるキャンバス地にアクション・ペインティングを施し、その上からアルミ箔を圧着した布を用いて、絵画を服の形態へと展開する作品を制作している。人が着用したり触れたりすることでアルミはひび割れ、剥がれ、その変化は身体や時間の痕跡として作品に刻まれる。その過程で下層の絵画が現れ、作品は完成した状態で固定されることなく、人との関わりのなかで変化し続ける。本作《血肉の慟哭》は、山中の斜面に約13メートルのキャンバス生地を広げ、一週間ほど滞在しながら制作された。描き進めるなかで画面は自然と赤を基調としたものとなり、完成に近づくにつれて次第にカラスが集まるようになった。山そのものの生命の循環の一端を感じたことが、《血肉の慟哭》というタイトルが生まれた。

菊地 言美

東京藝術大学で石彫を学んだ菊地言美は、現在は陶へと制作を展開し、器を中心に制作を続けている。本展では石彫作品と陶作品をあわせて紹介する。
菊地の制作は、手を動かしながら自然に立ち現れる形と対話するように進められる。石では素材そのものが持つ質感や存在感に導かれ、陶では土という自由な素材と、釉薬や焼成による予測できない変化を受け止めながら造形を生み出していく。そのなかで、生き物や植物など自然のモチーフと空想の世界が重なり合う作品が立ち現れる。菊地は、無意識のなかで自分が何を手探りに手繰り寄せようとしているのか、自分でも気になっているという。夢のように現実と虚構が入り混じり、自分自身の内側から立ち現れる、まだよく分からない不思議な世界。その世界へ手を伸ばすような感覚が、制作の根底にある。

会期全体：2026年7月24日（金）〜10月4日（日）
前期：2026年7月24日（金）〜8月23日（日）※7/24のみ13:00開場
後期：2026年8月28日（金）〜10月4日（日）※8/28のみ13:00開場
※二期構成、展示替えを予定

定休日：月曜 ※8/10（月）、9/21（月）は祝日のため営業

営業時間：10:00-18:00
※営業日時が変更になる場合がございます。最新情報は公式Webサイト・SNSをご確認ください

入場料：無料

会場：藝大アートプラザ（東京都台東区上野公園12-8 東京藝術大学美術学部構内）
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